Siempre me llamó la atención que en los manuales antiguos, que pasaron por mis manos, algunas veces veía planos de varas y las numeraciones se repetían.
Nunca entendí el propósito, hasta que pude entender qué era una costumbre de determinados espectáculos de fines del siglo XVIII.
Respecto de las instalaciones de varas contrapesadas, donde la numeración de los equipos se repetía varias veces, eso se debía a que seguían las costumbres de los escenarios de vodevil, donde el escenario se divide en bandas o portales o términos llamados Uno, Dos, Tres, etc. Todos separados con su correspondiente telón comodín.
Es posible que alguna vez hayan escuchado el término "In One” (en español seria: en UNO entra fulano, en DOS entran fulano y mengano) utilizado para un número que sucede en el frente del escenario, mientras la escena cambia detrás, tapada por el “comodín”. Parece también que esta expresión viene de la época del auge de los espectáculos de vodevil.
Desde la mirada actual suena muy raro ver el plano que me llevo a escribir sobre este tema. Para que reiniciar varias veces la numeración de las varas?, parece que se debía a que la secuencia que usaban se debía a que en general la mayoría de los “solos” se hacían en UNO
En cambio cuando actuaban dos personajes se usaba la zona DOS, estas escenas podrían incluir algo de utilería, por eso la necesidad de algo mas de espacio.
Y en TRES ya se representaban situaciones más teatrales que incorporan utilería más algún decorado y un número más grande de actores.
En CUATRO, que por cierto, se usaba solo pocas veces durante el show, era lo que diríamos en castellano “escenario completo” se usaba para los números acrobáticos, escenas qué incluían animales, grandes coreografías tipo music hall o grandes finales.
Otra cosa interesante de destacar es que la organización de la cámara negra es funcional a la complejidad del número que se iba a representar. En UNO no hay patas y en CUATRO hay muchas, con lo que permite múltiples entradas y salidas en los distintos “términos”.
Les comparto un diagrama del escenario del Keith's Palace Theatre, de Nueva York., que encontré en la web como ejemplo para complementar y comprender lo que escribí anteriormente. Podrán notar la muy parecida forma de trabajo que había en nuestra “revista porteña” (aunque sin un sistema documentado que haya llegado hasta nuestros días). Usaban gran cantidad de telones, comodines y rompimientos, qué usados magistralmente por los “traspuntes” que eran quienes llevaban el ritmo de las funciones, daba una sensación de vértigo, fatuo y dinamismo elogiable, de la que siempre hizo notable a la revista.
Lo importante es destacar que la zona UNO solo ocupaba la corbata del escenario con sus candilejas hasta la embocadura y telón de boca, o sea un espacio que normalmente no medía más de un metro y medio de profundidad, y que siempre se iluminaba con seguidor.
La zona DOS que empieza justo detrás de los “arlequines” (en el plano denominados “tormentors”) hasta el primer juego de patas y bambalinas, con el detalles que estas se podrían ajustar achicando el escenarios si se requería y como fondo ya había una serie de telones pintados colocados unos detrás de otros, ya que estas zonas UNO y DOS eran las más usadas en estos espectáculos.
La zona TRES ocupaba casi seis metros de profundidad y entraba en juego otro “término” de patas y bambalinas ajustables, con su respectivo fondo pintado.
La zona CUATRO el escenario contaba con su amplitud máxima y permitía en esa zona la colocación de grandes piezas de decoración, cuando se exhiben animales estos transitaban desde la puerta de entrada directamente al escenario.
“BARE stage” el escenario desnudo era muy raro de verse, pero era un opción que estos espectáculos podían mostrar, levantando toda la vestidura a la vez ya que disponían de mucho personal de maquinaria en los puentes y siempre impactaba a la audiencia ver el escenario “pelado”.
