viernes, 22 de noviembre de 2013

1913 Cine teatro


1913 Cine teatro

Es una palabra confusa, que a lo largo de la Argentina, define un tipo de edifico de representación espectacular. A veces se cree que son teatros, pero no, estos recintos son relativamente nuevos, aparecen recién en la segunda década del siglo XX.  Este tipo de edificio de exhibición cinematográfica, "el primero data de 1913". Se considera al Regent de New York como el primer cine, (los norteamericanos los llaman “Theater” aunque exhiban cine), dentro de ese tipo de edificios se inscriben el Opera, el Gran Rex, el Broadway o el Metropolitan, (por mencionar algunos de la calle Corrientes).
Las características de esos nuevos edificios varían frente a lo que seria un teatro tradicional. 
En la transición, hubo unos pocos años en que convivían las dos prestaciones, cine mudo, y vodevil, por eso estos edificios,  tenían en la sección del escenario, características muy parecidas a un teatro, en la argentina se fijo ese nombre por muchos años, es fácil reconocerlos, tienen escenarios muy anchos y poco profundos y parrilla de movimiento de decorados.
En estados unidos, el espectáculo de teatro tuvo un furor muy grande. Pero ya en la primera década del siglo XX, el genero que arraso con los demás, fue el vodevil. Pero ya a los comienzos de la segunda década, apareció un gran competidor, el cine mudo, que ocupaba el segundo lugar en importancia en recaudaciones. Se empezaron a acondicionar los teatros para este nuevo tipo de exhibición. Y es así como el cine desplazo al teatro como negocio, en el segmento del entretenimiento. Hubo un tiempo donde los dos negocios fueron cobijados por una misma arquitectura.
En 1913 un arquitecto de origen escocés Thomas Lamb diseño el teatro de la calle 116 en Harlem New York, que tenia el aspecto interior de un teatro y una fachada estilo palacio veneciano. La gestión estuvo a cargo de “Roxy” Rothapfel, propietario posteriormente de otros celebres de Broadway como el “Roxy” o el “Radio City”. Estos teatros tenían una característica, que a pesar de tener parrilla y todo el dispositivo escénico, su aforo era de entre 2000 y 4000 localidades, cosa que hacia imposible que ningún artista se pudiera presentar en espacios de tales dimensiones, no tenían ninguna chance, de tener cercanía con el publico. A pesar de haberse construido para albergar cualquier genero, la realidad indico otra cosa. Ademas se debe entender que la tecnología de proyecciones, no era buena en esa época, aun después del advenimiento del cine sonoro (1927), entonces lo mas importante no era la película que se exhibía, sino la arquitectura. Los mismos arquitectos que antes hasta 1915 construían teatros, pasaron entre 1920 y 1930 a construir estos nuevos cines teatros, que a simple vista se parecían, tenían platea, palcos escenario telones y mucha yeseria.
El cambio estaba dado por espacios fastuosos y a diferencia de los teatros, estos eran de fantasía, sus motivos eran motivos egipcios, jardines moriscos o palacetes franceses, el trabajo de los arquitectos se manifestaba no solo en la sala, sino también en los amplios foyers, el mayor espacio entre butacas, todo apuntaba a que el espectador viviera una experiencia fantástica, hasta que se apague la luz y de comienzo la proyección. No olvidar que un nuevo tipo de espectadores, entraba al por primera vez al entretenimiento, y esta experiencia sobrecogedora, se daba apenas por 15 centavos, mucho menos que una entrada teatral de la época. Una orgía de arquitectura policromada, frente a una pequeña pantalla monocromática.
La gran diferencia con un teatro, en atmósfera e intención, es que en general en los teatros, los espectadores se ubican en platea en hemiciclo o en palcos, esto funciona como una comunidad, que participa del evento. En cambio en los cines por razones técnicas el espectador se ubica en filas de lineas rectas. Y solo se percata de la presencia de los espectadores, que están al lado suyo, y este participa del evento en soledad.

viernes, 1 de noviembre de 2013

1759 Fuera el publico del escenario


Publico en el escenario
Se data en1759, cuando el conde de Lauragais, desalojo el escenario de las dos hileras de espectadores, que a uno y otro lado del escenario se sentaban. El conde dio doce mil libras a los socios de la Comédie Française para indemnizarlos y motivarlos a dejar libre el escenario de la incomoda multitud que obstruía e incomodaba.
De ahí en mas, los actores se pudieron mover a sus anchas por el escenario, sin tener que hacer sus entradas atravesando la multitud de banquetas, pidiendo permiso a los señores. O morirse en el piso, y captar la atención de los demás espectadores, que se alojaban en la “parterre” sin que la multitud de pudientes, ruidosos y ostentosos interfiriera con su alocución.
Esto fue imitado rápidamente, por muchos otros teatros, extinguiendo esta molesta costumbre.
A continuación reproduzco un fragmento de M. Fournel (sic): “la escena estaba cubierta de banquetas en que se sentaban a cada lado de los actores los marqueses y los jóvenes de tono.
Difícilmente se comprende hoy que hubiera podido establecerse y subsistir tanto tiempo un uso tan absurdo. Nada era mas insoportable para los actores, y aun para los espectadores. Los primero se hallaban continuamente embarazados en sus movimientos y los segundos en la vista del espectáculo; pero de esto no se cuidaban los fatuos que frecuentaban las banquetas. Ni se contentaban en reír y hablar en alta voz, o de tomarla con el actor o con el atizador de candilejas, cuando estaban de buen humor, hasta el punto de interrumpir la función. Sucedía con frecuencia que se confundía la entrada de un espectador de banquetas con la entrada de un actor, o un Marquez con el galán de la pieza”.
En Inglaterra también abundan evidencias sobre la ubicación del publico en el escenario principio del siglo XVIII. Thomas Davies, biógrafo de David Garrick y antiguo miembro del la Drury Lane Company a mediados del siglo XVIII, relato que a menudo el cartel anunciaba:”Para una mejor ubicación de las damas, el escenario se dispondrá en forma de anfiteatro”. 


lunes, 21 de octubre de 2013

1920 Efecto Samoiloff


1920 Efecto Samoiloff 
Una técnica de iluminación desarrollada por Adrián V. Samoiloff  por esos años, para llevar a cabo cambios en el vestuario y las  escenas, mediante la alteración de la iluminación. Samoiloff tomó lo que ya se conocía acerca de la luz, el color y el camuflaje y los aplicó al teatro.
A modo de ejemplo, imagine un traje cian con rayas rojas. Bajo luz blanca, aparecerá como un traje cian con rayas rojas. Bajo el efecto de la luz cian, no se puede distinguir de un traje blanco con rayas negro. Bajo la luz roja, no se puede distinguir de un traje negro con rayas blancas.
Samoiloff estudio, cómo varios tintes y pigmentos reaccionaban con frecuencias específicas de la luz, logrando cambios dramáticos en el color percibido con los cambios sutiles en la luz.
Las parejas de colores usadas eran: Rojo / Cian, verde / magenta, amarillo / azul.
En “Hippodrome” en Londres, se tiene registro del primer uso del “Sunray compartment batten”, desarrollado por el. El uso de este tipo de luminaria que anteriormente, usaba filtros de vidrio, en lugar de las lamparas sumergidas en laca. era esencial para trucos escénicos de Adrián Samoiloff, utilizando colores complementarios.
El striplight (light batten en UK, herse en Francia, o diabla en España) era y es un artefacto de iluminación de escenario, diseñado para proporcionar una luz sin bordes con un desarrollo lineal, generalmente, se lo montaba en forma paralela a las bambalinas. Además de ser utilizado para la iluminación de escenografía, también son útiles para la iluminación de cicloramas y telones de fondo. En los primeros tiempos, las candilejas usaban velas, petróleo o gas y fueron muy poco prácticas de manejar y difíciles de controlar.
En Inglaterra, este tipo de luminaria (compartment batten) se hicieron populares por Adrián Samoiloff, que los utilizaba muchos en sus trucos de iluminación de color, que llegó a los titulares de los diarios a principios de 1920. Anteriormente, el color se obtuvo mediante la inmersión de las lámparas individuales en laca.
Hoy en día, la striplight moderna se construye  de 1 m a 3 m a largo y, en 3 o 4 circuitos. Por lo general, las lámparas que se utilizan son de 100 a 500 vatios, los filtros pueden ser de poli carbonato o de vidrio. A veces se utilizan los colores primarios luz, rojo, verde y azul. Cuando estos son mezclados vía dimmer, generan una amplia gama de colores. A menudo se utilizan herses o diablas para iluminar grandes paños de cielo. Por lo general son colocados uno tras otro, en fila por encima de la tela, de un lado al otro del escenario. 
También en los cicloramas y los telones de fondo, se suelen ubicar este tipo de luminarias paralelas a la tela, pero en el piso (floor lights). Esta solución, puede proporcionar una variedad de la iluminación de horizonte incluidos los efectos de amanecer y atardecer.