1976 Ernesto Diz diseño de iluminación en la Argentina

El iluminador teatral Ernesto "Tito" Diz (1934- 1981). Fue un adelantado a su tiempo, un visionario que dignificó el oficio.
A lo largo de su extensa trayectoria realizó más de 300 montajes tanto en teatro como en ópera. Fue Tito el que dio entidad, nombre y jerarquía a su oficio. Fue él quien hizo equipar las salas. El que peleó para que en los programas de mano se hablara de su trabajo como "diseño lumínico". El que, indirectamente, hizo que los premios a la actividad escénica repararan en el oficio. Fue un adelantado, un iluminador del futuro.
El 30 de Octubre de 2015 la Universidad Nacional de Arte (UNA) le realizó un merecido homenaje. Se puso una placa con su nombre en el Aula Laboratorio de Diseño de Iluminación. La placa dice: "Pionero en la Argentina, desarrolló, jerarquizó y profesionalizó el diseño de iluminación". Esa tarde estuvo rodeado de buena parte de los creadores que él, con talento exquisito, iluminó sus puestas, sus carreras, sus personajes o sus estructuras arquitectónicas. Él -el maestro- dijo sentirse feliz y da felicidad saber que ese homenaje realizado por su compañeros y amigos le fue hecho en vida.
Trabajó junto con Les Luthiers así como en diversas propuestas de Gerardo Gandini. Cuando el espacio escénico quedó chico, reparó en la arquitectura teatral para terminar trabajando en la iluminación arquitectónica y del espacio en sí mismo. En ese tránsito, lo convocaron para hacer el diseño de iluminación de tres discos emblemáticas: Mau Mau, Hipopotamus y El Cielo. En 1987 le encargaron la iluminación arquitectónica del valle de Las Leñas y le siguieron trabajos en hoteles, aeropuertos, edificios públicos, salas teatrales, hospitales y una infinidad de etcéteras. En 1990 fundó la cátedra de diseño en iluminación, una materia optativa en la FADU.
"La luz es uno de los pocos elementos mágicos que quedan en el teatro. Un elemento mágico es aquello que no entendemos del todo y hay que reconocer que todavía la gente no entiende la luz, a la electricidad no la ven y eso de que las lamparitas se prendan y se apaguen es algo que no cierra del todo", decía él. De ese elemento mágico, Tito Diz hizo arte, trabajo, profesión y materia de estudio. 

Alejandro Cruz para La Nacion

Ernesto fue quien acuño el nombre de "diseño de iluminacion" en nuestro país, en el espectáculo "Que porqueria es el glóbulo" exhibido en la Casa de Castagnino, por el grupo Los Volatineros, dirigidos por fransisco Javier, en el año 1976.

1948 Tapete de danza "Marley"

La empresa llamada Marley Company ubicada en Kent en el Reino Unido, fabricante de productos relacionados a la industria de la construcción, en base a cloruro de polivinilo (PVC), su producto básico fundamental y lo que llamamos “vinilo laminado”. Fabricaban materiales para techos, tratamientos para paredes y toda una amplia gama de productos relacionados. Existe una leyenda urbana que cuenta que uno de los ejecutivos de Marley Company tenía una hija que era bailarina profesional, que estaba permanentemente en gira por Europa, y ella siempre se quejaba con su padre de que en cada teatro al que iban, terminaban bailando en un piso de madera muy diferente al anterior que habían usado. Se hacia muy difícil para la compañía desempeñarse en todas estas superficies escénicas diferentes. Así que a este senior y su equipo de trabajo se le ocurrió un producto llamado “Stageflor”
lanzado al mercado en 1948. Era un “piso de gira portátil, ligero, gris oscuro y reversible” diseñado para ballet profesional y la danza contemporánea. Tuvo éxito inmediato en toda Europa, ampliando  y convirtiéndose en un producto líder de la empresa.

En principio para adquirir un tapete de estos, habia que recurrir exclusivamente y directamente a Marley, esto hizo que con el tiempo “Marley” sea sinónimo de pisos por su puesto en cada teatro que se programaba danza , habia uno.  A pesar que el nombre del producto era “Stage Floor”, nadie lo conocía, asi, el apodo generalizado hasta hoy inclusive es “Marley”.

El tiempo de espera para la entrega era de aproximadamente 5 meses, una vez que se colocaba la orden de compra, sobre todo si los pedidos venían de fuera de UK. Con posterioridad fueron agregados distribuidores que mejoraron la logística bajando el tiempo de entrega a entre 4/6 semanas.

Estos pisos dejaron de fabricarse en 1979

En la actualidad los pisos de danza que hay en el mercado emulan los pisos originales que producía la empresa Marley, conservando su liviandad, el carácter reversible con su posibilidad de uso bicolor y la posibilidad de transportarlo en las giras. 

Lo distinto es que en la actualidad los pisos se construyen con revestimiento de fibra de vidrio, que los hace mas estables. La mayoría de los productos del mercado en la actualidad se fabrican con tres capas, la superior PVC homogéneo con superficie antideslizante la central con estructura de refuerzo de fibra de vidrio  o mineral y la inferior de PVC homogéneo. Antes de que parecieran los pisos de danza de PVC, lo usual era bailar sobre superficies de madera, pero eso no era posible en la danza contemporánea, porque la resina les irritaba los pies.

1945 Tornapunta

No se sabe a ciencia cierta el origen o la antiguedad de este accesorio fundamental desde que la escenografía en el periodo barroco dejo de ser decorado fijo, es conocida la existencia desde por lo menos todo el siglo XIX.

Pieza fudamental para dar estabilidad y seguridad a los bastidores escenograficos

este modelo muestra una mejora especifica en el sistema de sustentación. La patente britanica de 1945 perteneciente a Bob Hall para el "Stage brace" o sea tornapunta, no da mucha informacion sobre el anclaje superior.

1902 Cupula de Fortuny

1902 es el año en que Mariano Fortuny Madrazo (1871-1949). Artista, diseñador e inventor español, Patenta la cúpula de Fortuny, dispositivo escénico que hizo furor en comienzos de siglo XX.

En 1901 había patentado en Francia  un sistema que utilizaba la novedosa luz electrica, donde mediante un juego de refecciones producía luz indirecta, consistía en un grupo de luminarias de arco voltaico que se reflejaban en una superficie esmerilada que a su vez indirectamente  daban en la escena o el decorado que se quiera iluminar, prácticamente sin sombras. Gracias al “Sistema de iluminación Fortuny”, luego con versiones perfeccionadas en 1903 y 1907 respectivamente se evitaban sombras y deslumbramientos y se conseguían unos cambios de luz muy espectaculares.

Como solución complementaria en 1902 crea “La Cúpula de Fortuny” una estructura flexible hecha en hierro y recubierta por dos telas impermeables para reproducir realisticamente el cielo y optimizar la acústica en representaciones al aire libre.

La cúpula incorporaba el Sistema de iluminación Fortuny y fue instalada por vez primera en 1906 en París, en el teatro privado de la condesa Martine-Marie-Pol de Béhague y poco después ese mismo año en el Teatro Bosquet de la ciudad parisina. En 1907, la cúpula era adquirida por la Ópera Kroll de Berlín y en poco tiempo lo incorporaban otros escenarios alemanes (en Dresde, Duisburgo, Karlsruhe, Königsberg, Stuttgart y Wiesbaden), hasta el punto que Fortuny firmó un contrato con la empresa Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft (AEG) para su fabricación y comercialización a través de la Beleuchtung System Fortuny GmbH.

Fortuny también fue un excelente fotógrafo. Comenzó su actividad con una cámara “Panoram” de Kodak tomando instantáneas de los bulevares parisinos. Con el fin de optimizar la luz en la fotografía, en 1907, inventaba la “Lámpara Fortuny” (comercializada también  por AEG), una lampara de pié para iluminar de manera  suave  gracias a una semi circunferencia (siguiendo los principios de su cúpula teatral).

Estos desarrollos lo convirtieron en uno de los escenógrafos más innovadores de su tiempo por incorporar la iluminación eléctrica y con ello abrir múltiples posibilidades ambientales, expresivas y estéticas. 

Cabe destacar que este dispositivo se pone de moda con el auge del naturalismo, en el segmento del teatro comercial. y que una década mas tarde ya nadie los usaba, porque por sus dimensiones ocupaba por lo menos la mitad del escenario.

 

1937 Camara negra

 Camara negra 

En la producción de Dr fausto de Cristopher Marlowe dirigida por Orson Welles,  iluminada  Abe Feder, con diseño escénico Kirk Glober y como diseñador marionetas Bil Baird, estrenada el 8 de enero 1937 en el teatro maxine Elliott’s Theatre.

A la propuesta de Feder, se decidió no usar ningún elemento escénico, solo el escenario totalmente cubierto de telones de negros, de una tela conocida en la época como “Black commando” que  planteaba en su capacidad de absorción, de alguna manera marcaba la total ausencia de referencias, Abe que era un fan de la magia, le propuso a Welles, concebir la producción como si fuera un espectáculo de magos. El dispositivo no usaba luz frontal, solo grandes cantidades de iluminación lateral y cenital. Esta producción fue la primera en presentar un desafío técnico, donde con la sola idea de iluminación muy localizada y con ángulos de acometida muy audaces para la época, este espectáculo fue el primero en su tipo, en que las apariciones y desapariciones eran marcadas por la luz, tanto con la confusion que se le proponía al espectador al no tener referencias, en este dispositivo totalmente negro.

El titiritero Bill Braid, encargado de fabricación y operación las marionetas del espectáculo que representaban los siete pecados capitales, recordaba en sus memorias, el espectáculo: “kilómetros de tela negra y cientos de caños de 6 metros de largo de los cuales aparecían colgados muchísimas luminarias, incluidos 114 lekolites  sumados a treinta y un Beam Projectors, de 1000w que era la luces mas brillantes que se podían encontrar en su época. Eran tantas luces que todo el mundo pensaba que se iba a romper la estructura, por su peso”. Este proyecto de Abe se convirtió en leyenda, aunque pago un precio muy alto, después del estreno fue hospitalizado, por el estrés, debido a su controvertida relación con el director. 
Pero el uso del “soft masking” como se conocía antiguamente a la colocación de textiles negros en zonas del escenario donde se quería limitar la vision del espectador. Se convirtió en un sistema de organizar y vestir los escenarios que persiste hasta la actualidad.
Los tradicionales bastidores pintados que se intercambiaban, dieron paso a bastidores de color negros , que complementedos por bambalinas y fondos del mismo color, generaban una senasion de infinito.

1992 VARI*LITE VL5

Jim Bornhorst, desarrollador de VARI*LITE, descubrió que la torsión de los filtros dicroicos altera las frecuencias de la luz filtrada, lo que resulta en un cambio de color aparente. 

El 12 de Junio de 1989 en una servilleta en un hotel de Londres, que se ve en esta imagen obtenida en la web. Jim dibujaba el boceto del wash más amado y revolucionario de la industria, el famoso y premiado VL5. Si vien en ese momento se llamaba asi , con el paso del tiempo aparecio el VL5 ARC y recientemente el VL5 Led.

1882 Bayreuth

1882 Bayreuth Festspielhaus

Es el primer teatro que usa la forma conocida como “Fan shape” o abanico, en este auditorio por primera vez desaparecen los palcos laterales y se re diseña el foso de orquesta, a partir de la curiosa formación de las orquestas wagnerianas. Debe considerares como el inicio de la época de los teatros modernos, arquitectónicamente hablando. 

Es la sede del Festival de Bayreuth, para el que fue especialmente concebido y construido por el propio Wagner. 

 Adaptó el diseño, sin permiso del arquitecto, de un proyecto de  Gottfried Semper para un teatro en Munich que no llegó a realizarse y que el propio Semper reutilizó después para el Burgtheater de Viena. La construcción estuvo a cargo del arquitecto Otto Bruckwald, bajo la supervisión de Wagner y con el apoyo financiero del rey Luis II de Baviera.

El cuerpo principal del edificio, con estructura de madera, presenta una escasa ornamentación, con muros de ladrillo. 

La entrada principal, construida en 1882 como entrada privada para el rey Luis II de Baviera, con motivo del segundo Festival y el estreno de Parsifal, presenta, como contraste, la típica ornamentación de finales del siglo XIX, con columnas y muros de piedra. El auditorio tiene forma de abanico escalonado, sin galerías ni palcos, con visibilidad perfecta del escenario desde las 1925 localidades.

La boca del escenario presenta un doble proscenio, que da al público la sensación de que la escena está más lejos de lo que realmente es. Este doble proscenio, junto con la disposición del foso de la orquesta y el oscurecimiento total de la sala durante la representación (no habitual en esa época), crean, en palabras del propio Wagner, un foso místico (en alemán: mystischer Abgrund) entre el público y la escena, lo que le da un especial carácter a las representaciones y proporcionan un refuerzo físico al contenido mítico de la mayoría de las óperas de Wagner. Contaba también con escaleras en forma de abanico, la acústica del lugar es impresionante, ya que los cantantes de las óperas que se presentan ahí no necesitan forzar tanto su voz para hacer que los escuchen, es decir, de manera natural son escuchados hasta el último rincón del auditorio.

El teatro ha mantenido el mismo aspecto durante toda su historia, principalmente en la parte accesible al público. La parte escénica, sin embargo, ha sufrido diversas reformas para adaptarse a la evolución de las tecnologías escénicas. Las primeras reformas se hicieron en la década de 1920, coincidiendo con la renovación de las escenografías originales de los primeros festivales, que fueron incorporando escenarios tridimensionales, en lugar de los primitivos telones pintados. Entre 1958 y 1968 se acometió una reforma gradual de toda la estructura del edificio, que sustituyó el primitivo entramado de madera por uno nuevo de acero y hormigón.

Actualmente la boca del escenario tiene 11,8 m de altura y 13 m de anchura, mientras que el escenario tiene una anchura máxima de 27 m y una profundidad de 22 m (que se puede ampliar hasta 40 m si se utiliza el escenario posterior). 

La torre escénica tiene una altura máxima de 30 m. La sala dispone de 1925 plazas, distribuidas en las 30 filas de platea (Parkett) y las tres plantas al fondo de la sala (Loge, Balkon y Galerie).

El foso de la orquesta queda oculto debajo de una gran concha de madera que devuelve el sonido al escenario, de forma que se mezcla la música con la voz de los cantantes.

Una característica muy significativa del Festspielhaus es la disposición inusual del foso de la orquesta, que se extiende bajo el suelo del escenario y está cubierto por un techo (actualmente metálico, originalmente de madera), de forma que la orquesta es completamente invisible para el público. Esta disposición preocupó a Wagner, que quería conseguir que el público se concentrara solamente en lo que estaba sucediendo sobre la escena, sin distraerse con los movimientos del director o los músicos. Este diseño corrige también el equilibrio de volumen sonoro entre los cantantes y la orquesta, creando la acústica ideal para las óperas de Wagner. Por otra parte, la disposición hace muy difícil dirigir la orquesta, incluso para los mejores directores del mundo, no solo por la oscuridad que reina en el foso, sino porque la reverberación acústica en su interior hace difícil la sincronización entre la orquesta y los cantantes.

La disposición de la orquesta dentro del foso es también singular, sobre todo en tres aspectos:

Los primeros violines se sitúan en el lado derecho del director, y no en el lugar habitual, en el lado izquierdo. De esta forma, el sonido de los violines no se dirige directamente hacia el público, sino hacia el fondo del escenario, donde se refleja de nuevo hacia el auditorio.

Los contrabajos, violonchelos y arpas (cuando se usa más de una, como en el Anillo) están divididos en dos grupos, a cada lado del foso.

El resto de la orquesta se coloca directamente bajo el escenario. La comunicación visual con el director es vital, porque la mayoría de los músicos no pueden ver ni oír a los cantantes, pero esta disposición crea el sonido orquestal característico ideado por Wagner.

En la actualidad el foso tiene 14 m de anchura por 11,5 de largo. Su piso desciende, de forma escalonada, desde 1,5 m por debajo del nivel del escenario hasta 5 m por debajo de éste, en su parte más profunda.